Exposición gráfica regional "Tropicalismo" Festival Propaganda 2014 / Galeria Pllaza de la Paz / Barranquilla - Colombia

10 Reglas para nombrar tu Marca o Proyecto

¿Cómo lograr que el público retenga el nombre de nuestro producto entre los miles de impactos publicitarios a los que nos exponemos a diario? 

En nuestra sociedad actual, se calcula que recibimos varios miles de impactos publicitarios al día. Eso deja muy escaso espacio libre para cada marca dentro de la saturada capacidad de atención del consumidor: hay quien dice que no más de tres segundos; en tan breve lapso, tienen que ser capaces de destacar, convencer y recordarse más tarde. 

Por supuesto, todos tenemos en mente los nombres de las marcas más conocidas, grabadas a fuego en nuestro subconsciente tras años de exposición a sus productos y publicidad. Pero, ¿qué hacer para llamar la atención con una nueva marca? 

Para empezar, debemos tener en cuenta un decálogo de consejos básicos. No seguirlos puede salir muy caro. Cualquier compañía que viole alguna de estas diez reglas necesitará gastar más de lo necesario para posicionar bien su producto. Palabra de E-Commerce Times. 

1. Fijar un nombre acorde con los objetivos de mercado 

Este primer mandamiento del branding es a menudo ignorado por algunas empresas. El nombre tiene que trabajar a favor de los objetivos de mercado y a menudo se nombran marcas que le dan a la empresa una dimensión demasiado localista. 

2. No copiar a otra marca 

El nombre de una marca nunca debe ser parecido o aproximado al de otra empresa, por mucho que nos guste o nos parezca acertado, e incluso si pertenece a un sector que no tiene nada que ver con el nuestro. Violando esta regla se espanta a los clientes, porque estos pueden captar una imagen algo turbia de la empresa. 

3. La marca debe estar en armonía con el dominio de Internet 

Una marca debe ser idéntica a su correspondiente dominio. Por ejemplo, una marca de noticias y servicios para proteger contra vulnerabilidades del software debe expresarse como SoftwareVulnerabilities.com, no Software-Vulnerabilities.com o iSoftwareVulnerabilities.com. 

4. No usar prefijos tontos 

A no ser que una compañía tenga una experiencia de más de cinco años, introducir los prefijos “i” o “e” puede resultar peligroso. Algunas compañías, como eBay, se han construido una gran imagen de marca, pero es una excepción: hay muchas otras que han fracasado al utilizar estas minúsculas antes de su nombre. 

5. Escapar del ruido de fondo 

Hay que evitar términos sobreutilizados, como "global", "tech", "soft" o "soluciones". Por ejemplo, sólo en la región india de Maharashtra se calcula que hay más de 300 negocios que usan la palabra “global” en sus nombres de marca. Una compañía que busque distinguirse del resto de competidores no puede destacar con términos tan sobados. 

6. Obedecer las reglas de la gramática 

Es aconsejable no violar las reglas de la gramática, incluido el uso de las mayúsculas y minúsculas. Cuando su empresa sea más grande que eBay, entonces podrá saltarse las normas que quiera... 

7. Evitar connotaciones negativas 

Las marcas no deben crear confusión o connotaciones negativas a los clientes, y hay que tener especial cuidado con los temas sexuales o religiosos. 

8. Crear nombres de marca fáciles de recordar y de pronunciar 

Las marcas deben ser fácilmente recordables y sencilla su pronunciación. Es relativamente sencillo que nuestros clientes potenciales visiten nuestro website, sobre todo cuando gastamos dinero en publicidad. Lo difícil es conseguir que vuelvan, y desde luego, un nombre que no se retiene a la primera no ayuda nada. 

9. Conseguir que nuestra marca se entienda y se acepte internamente 

El nombre exacto de la compañía y de sus marcas tienen que quedar perfectamente asumidos en el seno de la organización. Y aunque parezca sorprendente, hay algunas empresas en las que incluso los más altos directivos tienen dudas sobre el nombre exacto de alguna de sus marcas o productos. 

10. Probar primero 

Es importante probar varios posibles nombres entre los clientes potenciales antes de elegir uno. 

Con todos estos consejos en mente, ya sólo resta por hacer lo mas importante: que se nos ocurra un buen nombre. 

Cómo preparar tu portafolio de diseño gráfico

¿Así que estás listo para conseguir tu primer trabajo como diseñador gráfico? Si quieres vender tu trabajo, no llegues con las manos vacías. Aquí te dejo una solución accesible y realista para preparar tu portafolio de diseño gráfico.

Recuerda siempre que el arte de la presentación es clave para vender tu trabajo en muchas ramas de la industria. Aun hoy en día a muchas personas les agrada ver una muestra física de tus diseños, pero también son muchas las que prefieren lo electrónico. Muchos empresarios con agendas saturadas conceden sólo un tiempo para explorar el sitio web de un diseñador, y dedican más tiempo a ver sus trabajos sólo si les agrada lo que ven. Así que un sitio web es casi obligatorio porque se ve profesional y demuestra que sabes trabajar en el mundo electrónico, además de que es fácil compartir el enlace por correo electrónico. PowerPoint sirve para algunas cosas, pero realmente no se ve muy bien para un diseñador gráfico, además de que no quieres correr el riesgo de entregar en tu entrevista un archivo que pueda no abrirse por cuestiones de compatibilidad entre Mac y PC o cualquier otro de esos asuntos engorrosos. Un sitio web universal, puedes actualizarlo constantemente y habla bien de ti.

También ten en cuenta que unas muestras impresas siempre son importantes. Mientras más calidad tenga la impresión, mejor se verá tu muestra. Intenta encontrar una imprenta profesional que no te cobre demasiado caro por imprimir tus muestras en alta calidad. Las impresoras digitales de alta definición también se ven ya bastante profesionales, pero asegúrate de comprar papel de buena calidad. Si sólo tienes en casa una impresora de inyección de tinta mejor no te arriesgues a que su trabajo se vea con calidad insuficiente. Si no tienes mucho presupuesto, ve a una tienda de mayoreo o alguna papelería de las grandes cadenas donde pueden ofrecerte impresiones a bajo costo.

Busca en una tienda de artículos fotográficos o materiales para arte un buen libro-álbum en el que presentar tu portafolio. Un libro de 28 x 42 cm es ideal porque te da espacio para guardar tus impresiones sin que se vea como una carpeta gigante y pesada que colocarás en el escritorio de tu entrevistador. No hace falta comprar papel negro especial para comprar fotografías, porque sólo haría tu portafolio más voluminoso, y manejar pegamento siempre es un lío. Un libro elegante y delgado con cubiertas transparentes en cada página para deslizar con facilidad tus impresiones es lo más recomendable.

Elige sólo entre 15 y 20 de tus mejores piezas. Eso es suficiente para que cualquier persona se haga una idea de tus habilidades para el diseño. Elige una variedad amplia de temas, soportes, clientes, estilos y proyectos en los que hayas trabajado (logos, empaques, trípticos). Para los logos lo más recomendable es mostrarlos en impresiones separadas de página completa. En el caso de empaques, no lleves el diseño impreso en su material de uso; una fotografía profesional de cómo se ve el empaque en 3D será suficiente.

Buena suerte. Ensaya tu presentación muchas veces, ten preparadas diferentes respuestas a los cuestionamientos que puedan hacerte y observa atentamente el lenguaje corporal de tu interlocutor para no extenderte en un tema que no le interesa. Recuerda que muchas personas no son "creativas" y no pueden comprender tu proceso de trabajo ni les interesa mucho para ser francos. Sólo seguirán su instinto para decidir si eres apto o no para el trabajo. No les des una cátedra de diseño, pero sí muéstrate interesado en sus objetivos promocionales si puedes demostrar que aportarás algo a su campaña. Considera hacer una muestra o demo de cómo se vería el diseño que están buscando o personaliza con el logo de su empresa alguno de los productos que has diseñado. Esto demostrará que tienes mucho interés en el trabajo y hablará de tu capacidad para anticiparte a las necesidades del cliente.

Corel Draw vs Adobe Illustrator

Uno de los dilemas o puntos de discusión de diseñadores es, ¿qué es mejor… como herramienta de diseño? si el satanizado e incomprendido Corel Draw o el popular Adobe Illustrator.

Vamos a ser objetivos, con ventajas y desventajas cuenta cada uno y que ofrecen al diseñador para ser más eficiente, considerando que  para un diseñador son indispensables ciertas características para diseñar,  trabajar con orden y eficiencia. La rapidez es muy importante por el entorno laboral en el que nos desenvolvemos, también es necesario tomar a consideración ciertos factores:

1.- Compatibilidad de Archivos (entre aplicaciones)

2.- Exactitud y precisión en sistemas de medición

3.- Comandos de teclado

Para dejar las cosas claras, los tres puntos anteriores que se van a comparar, son factores que nada tienen que ver con el sistema operativo en el que se desenvuelven dichos programas ya que Corel Draw solo funciona para Windows desde la versión numero 12 siendo que se quedo rezagada en la versión 11 para Mac.  Ahora bien Ilustrador es compatible para Mac y Windows, pero  a esto no nos referimos a compatibilidad.

Recuerda que la compatibilidad debe ser entre programas de diseño para poder solucionar diferentes problemas gráficos que el programa vectorial no puede hacer, por mencionar uno, el retoque fotográfico, la cual se trabaja mejor en un programa de edición de imagen.

1.- Compatibilidad en Formatos

El programa debe ser capaz de tener compatibilidad tanto con su misma suite de programas como con aplicaciones de diferentes paquetes de diseño.

Ilustrador,  no puede abrir archivos de otros programas de diseño que no sean de su misma familia (adobe) a menos que sean exportados a otro formato, por lo contrario Corel Draw si puede.

2.- Exactitud y precisión en sistemas de medición

Una herramienta indispensable para todo diseñador grafico. Ya que nos encontramos en un mundo lleno de formatos estandarizados. Por lo consiguiente un programa vectorial tiene que contar con un excelente sistema de medición.

Corel Draw maneja sistemas de medición exactos y mucho más funcionales a comparación con los que cuenta ilustrador que a grandes rasgos sirven para visualizar pero no para concretar, debemos arrastrar el objeto en vez de incluir las coordenadas en una casilla, lograr la exactitud milimétrica es sumamente difícil para un usuario promedio de Illustrator.

3.- Comandos de Teclado.

Los comando son esenciales en los programas de diseño ya que nos facilitan el manejo del mismo logrando acortar los tiempos de trabajo, así podemos ir por un cafecito.

Tanto Corel Draw como Illustrator manejan sistemas de comandos capaces de lograr que el diseñador pueda desenvolverse fácilmente con el programa. En este caso el punto en cuestión es… Que tan diestro puede llegar a ser el Diseñador?

Quienes no dominan estos comandos tienden a pasar un largo rato arrastrando el mouse por los menus y terminan odiando el programa pues con el tiempo van perdiendo el entusiasmo. La lentitud de no manejar comandos puede alejar a los clientes al terminar con su paciencia en los largos tiempos de entrega.

En conclusión:

El programa que utilices no es tan importante ya sea Illustrator o Corel Draw, ni el sistema operativo (las mac igual se congelan y peor, también hay virus) al final lo que cuenta, es tu talento, que seas autodidacta y conozcas bien las funciones y atajos de la aplicación.

Por supuesto quien termina odiando a Corel es porque no lo domina y no sabe ajustarlo a sus necesidades.

Ideas para crear tu propia marca de ropa

Estás pensando en crear tu propia marca de ropa. Muy buena idea. Sólo necesitas sentido común, buen gusto y evitar los excesos, tanto de optimismo como de pesimismo. 

Déjame contribuir con unas cuantas sugerencias. No todas te servirán, pero seguro que alguna si. 

1. Estudia el mercado. Y dedica mucho tiempo a esto. Analiza quién va a ser tu mercado objetivo y quiénes van a ser tus competidores. Lee y absorbe toda la información que puedas. Gracias a Internet hoy está a tu alcance sin coste alguno. Y no te preocupes si no eres capaz de retener tanta información, si sólo te llega un 25% de lo que hay, ya tienes un 25% mas de lo que tenías antes. 

2. Si no eres un diseñador, pero tienes ideas, busca un diseñador independiente. Un buen diseñador profesional debería  captar tus ideas y materializarlas en bocetos y diseños. Además de fijarte en sus trabajos o en lo que te cuesta, ten en cuenta su capacidad de comunicarse contigo, de captar tus ideas. 

3. Concéntrate en “hacer marca”, branding. La longevidad de una marca se basa en la fidelidad de sus clientes. No todo es conseguir un buen diseño, sino en ligar la marca a un estilo y mantenerse en él. 

4. Si vas a externalizar la producción, cuando busques un fabricante o serigrafista, sé honesto y realista con él. Asegúrate de que tienes una idea y de que sabes qué hacer con ella antes de contactarlos. 

5. Muchas marcas que empiezan lanzan sólo un par de diseños para empezar, generalmente por limitar el riesgo. Ponte en el lugar de tus clientes y enseguida te darás cuenta de que eso es demasiado poco, no genera entusiasmo ni confianza. Con las nuevas técnicas de impresión digital (impresoras de camisetas, sublimación,…), puedes presentar muchos diseños con una mínima inversión. 

6. Reinvierte. Tanto en diseños como en stocks. Ya llegará el momento de recoger, de momento hay que sembrar. 

7. Ten mucha paciencia. Consolidar una marcar la requiere, y en grandes dosis. Si puedes, ocúpate en otros proyectos mientra eso ocurre. 

8. Elabora un plan de marketing. No te vayas a pensar que con tener buenos diseños los clientes te van a buscar. Es justamente al revés: eres tu quien tiene que poner los medios para llegar al consumidor. Ponle la marca delante de sus narices una vez tras otra, y no dejes de tener paciencia. Otra cosa importante: habla, habla y habla de ella en todos los espacios que puedas: foros, blgs, redes,…. Sólo por hacerlo contribuirás a despertar interés por ella. 

9. No te obsesiones con ganar dinero. Es el objetivo último, nadie lo discute, pero no el medio. Concéntrate en promocionar la marca, en hacer bien los deberes. 

10. Intenta disfrutar el máximo con tu trabajo. Para eso, debes de ser capaz de identificarte con tu marca, sino te será muy difícil hacerla creíble. Y a ti te será difícil interpretar el papel que te corresponde. Debe ser algo que llevarías, y con orgullo. 

11. No copies. Vale, vale, todos estamos “influenciados” por otros diseñadores… además, se asume que casi nada es 100% original (sea o no intencionado)… pero no te pases con el uso de esas licencias. 

12. No te agobies. Por ejemplo, si no puedes incluir en la colección inicial unos tirantes estampados que te gustan… si no llegas a tiempo de lanzar un embalaje personalizado… pues, NO lo hagas! ¿2 buenas razones? Si quieres competir con la capacidad de trabajo de las grandes empresas, te vas a romper. Además, debes reservarte, dosificarte: en la construcción de una marca, vale más la constancia que la abundancia. 

13. Asiste a ferias profesionales de ropa y de tejidos. Visita tanto las grandes marcas como las pequeñas independientes. Verás las nuevas tendencias, tomarás inspiración… 

14. La parte mas dura de crear una línea de ropa es alcanzar el reconocimiento de las mayores cadenas de ropa, si es que quieres conseguir esta vía de venta. Los compradores sólo piensan en encontrar cosas que se vendan bien. Por eso, no olvides que los que tienen la última palabrasobre si tus productos deben de llegar a las tiendas son los compradores. 

15. Sé realista sobre el canal de venta que mas te conviene. O para el que realmente estás capacitado. Por ejemplo, ¿has pensado en qué pasaría si un comprador de una gran cadena te pide 1000 unidades por tienda? 

16. Protégete. Registra y patenta lo que puedas. Es imposible que todo, pero se selectivo y hazlo. Para vender tienes que enseñar. Y eso implica que algunos te van a copiar. No es justo, pero asúmelo como inevitable desde ahora mismo. Si dejas constancia que tu lo hiciste primero (en un blog, una revista especializada,…), incluso podría ser una ayuda para la difusión de tu marca. 

17. Crecer demasiado deprisa puede no ser una suerte tan grande como parece. Se puede morir de éxito si no se es capaz de ajustar la demanda a lo que somos capaces de servir, en los plazos acordados. Aprende a renunciar a pedidos, es mejor que aceptarlos y no atenderlos. 

18. Adelántate todo lo que puedas: no diseñes para esta temporada, eso ya está en los percheros. Piensa siempre de 6 meses en adelante, eso es lo que se planifica ahora. Visita los compradores ahora con esas colecciones.

Esto no es una lista completa, se puede decir mucho mas. Iré añadiendo a medida que se me ocurra.

Si tienes ideas que quieres que añada, no dudes en sugerirlo en los comentarios o en un mensaje. De todos modos, ten en cuenta que hay cosas pueden explicarse, pero otras sólo pueden experimentarse.

El universo gráfico de Dicken Castro el primer Diseñador Gráfico Colombiano

Hijo de una mujer con alma de arquitecto, creció con anhelo de serlo. El diseño gráfico fue una afición, durante esa carrera, de la que se enamoró mientras se especializaba en Holanda; cuando regresó de allí, abrió la primera oficina de diseño gráfico en Colombia. Tuvo en Machu Pichu una de las experiencias más intensas de su vida, en la que siempre ha diseñado con dedicación y confianza absoluta en su trabajo. Sin restar importancia a su trabajo arquitectónico, PD rinde con esta crónica un homenaje a la faceta gráfica de este Maestro.

"Desde niño estuve enamorado de la belleza. Soy hijo menor de una familia numerosa y muy pequeño me interesé por la literatura y toda clase de arte. En un principio, no tanto por la pintura o la escultura porque en ese entonces la formación sobre tales temas era muy difícil de conseguir. Mi papá era médico y literato; tenía una excelente biblioteca pero, que yo recuerde, sólo dos libros ilustrados. Eran tomos muy bellos, uno de platos y vasijas griegas y el otro una revista que se llamaba "Conferances" donde se publicaban artículos de actualidad en París. Pero aparte de eso no había nada más y por ello no conté con el privilegio de ver mucha pintura, escultura o construcción al principio de mi niñez".

Dos intelectuales antioqueños y un pequeño novato

"Sin embargo más adelante las cosas cambiaron. Mi mamá era una persona con una educación que no llegaba sino hasta tercero de primaria, pero las mujeres de Antioquia se educan solas. Además, con la ayuda de mi papá, ella llegó a tener una enorme capacidad crítica hacia el tratamiento del espacio. Tenía alma de arquitecto. Construía y arreglaba casas (incluso un día construyó una clínica en el segundo piso de nuestra casa!)

Aparte de esta introducción 'inconsciente' en la arquitectura, existieron dos persona que me mostraron más de frente su panorama. En mi casa se reunían con frecuencia intelectuales y gente importante para la región antioqueña. Uno de ellos era el arquitecto Felix Mejía. El recibía revistas y publicaciones de arquitectura que me dejaba ver. Le sorprendía que un niños de siete años se interesara tanto por todo eso. El otro fue Ignacio Gómez Jaramillo, quien viajó a Europa y desde allí me mandaba libros e información. Así descubrí que quería ser arquitecto y fui creciendo con ese anhelo."

"Estudié en la Universidad Nacional, después hice un pos-tgrado en la Universidad de Oregon (EEUU) y más tarde me especialicé en Rotterdam (Holanda) en Planeamiento Urbano. El diseño gráfico vino luego, fué una afición alterna que nació mientras estudiaba arquitectura. Mi entrenamiento, basado en la observación y la lectura sobre temas de diseño gráfico en países como Suiza, Alemania y Holanda, me enamoró de esa disciplina aún más.

Es así como, cuando llegué de Europa a principios de la década de los sesenta, decidí abrir la primera oficina de diseño gráfico en Colombia."

Un nadador en Machu Pichu

"Yo no salí del país por la situación adversa; desde antes de terminar la carrera estaba interesado en irme pues tenía, y he tenido siempre, muchas ganas de aprender y ver cosas de culturas diferentes (es que viajar es otro de mis grandes hobbies). Además, para un arquitecto graduado resultaba más fácil posicionarse si tenía conexiones en el extranjero. Eramos muy pocos y trabajábamos maravillosamente."

"Y tengo una anécdota sobre mis travesías: durante los primeros años de mi carrera fui nadador, es más recorrí América nadando y participé en muchos campeonatos. En el primero de esos viajes al exterior fui al Perú y de pronto me encontré en Machu Pichu. Me dije: -si esto es lo que siento aquí ¿cómo será en el resto del mundo?- Eso despertó como nunca mi espíritu viajero, a tal punto que no volví a experimentar lo que sentí en ese rincón de los Andes. Ni siquiera el Partenón o el Japón despertaron de nuevo esa mágica sensación. Jamás."

La primera oficina de diseño gráfico en Colombia

"Al llegar de Europa el diseño gráfico era para mi paralelo a la arquitectura. Lo hacía casi como hobbie. Pero entonces algunas empresas empezaron a interesarse por símbolos y logotipos que las identificaran o por su identidad corporativa. Otras necesitaban diagramar revistas, libros, periódicos y señalización. Las posibilidades en el campo eran enormes y decidí montar mi oficina, así tuve la suerte de ser pionero en todos esos campos. Poco después apareció David Consuegra quien venía de graduarse en Yale; no había más diseñadores gráficos en el país como tales, él era el único."

"En esa época yo no me podía llamar diseñador gráfico (porque no tenía título) pero crecí con esa profesión en Colombia. La estuve enseñando durante 25 años en la Universidad Nacional siempre como diseñador gráfico, no como arquitecto."

La cesta para el Papa y dos famosas monedas

"Entre mis diseños existen muchos con los que gozo, como las dos monedas que he hecho; me emociona verlas pasar de mano en mano entre la gente. Sin embargo, dentro de la obra gráfica considero el símbolo del Congreso Eucarístico mi más significativa realización. Cuando me encargaron hacerlo no sabía nada de simbología cristiana y estuve pensando durante meses; hablé con sacerdotes e historiadores, con gente experta en el tema. Pero no encontré nada que me convenciera, hasta el día en que invitamos a almorzar a nuestra casa a un sacerdote que ha tenido mucha influencia en nuestra familia. Durante la conversación hablamos sobre cómo los primitivos cristianos "llamaban a comunión" con una cesta de pescado y, de repente, yo le dije ! ahí está! La idea me surgió y la dibujé de inmediato. Fue muy emocionante. Asó nació el símbolo del Congreso Eucarístico Mundial, que era muy importante porque el Papa- Pablo VI- venía por primera vez a América y no había salido nunca del Vaticano. Para mi fue algo absolutamente trascendental."

Milton Glaser, Paul Rand, Marta Granados, Carlos Duque...

"Entre los diseñadores gráficos internacionales admiro a Milton Glaser, una persona universal siempre pendiente de apreciar respuestas. También me encanta el inglés Paul Rand. Tal vez él inspiró mi estilo de diseño; estudiaba primer año de arquitectura cuando me encontré con un bellísimo libro suyo. En inglés, un señor llamado Paul Rand. Entonces no tenía ida alguna de ese idioma, así que me puse a leerlo a punta de diccionario. Por fortuna era muy corto. Al terminar me encontré con una sorpresa: ¡la traducción en español! Lo sufrí tanto que llegó a lo más profundo del corazón. Esos son mis dos ídolos, aunque adema´s me sorprende el cubanos Félix Beltrán (Promotor del diseño gráfico en tiempos de la revolución cubana), quien vive en México. A nivel nacional aprecio a Marta Ganados por su obra y a Carlos Duque por su generosidad y por ser un profesional a carta cabal. David Consuegra es un 'sacerdote' de la profesión, siempre preocupado por expandir el conocimiento."

Diseñadores gráficos de ayer y de hoy

"Pienso que antes era más fácil sobresalir, porque había menos talentos y pocas herramientas para hacer diseño gráfico (ahora éstas son muchas y aquellos innumerables). Y hoy... es como un ejercicio que nos ponía a hacer un profesor en la escuela. Nos entregaba rocas y plastilina para esculpir. La solución que se producía en roca era siempre mejor que la que se lograba con la plastilina (porque uno podía hacer muchas cosas con plastilina y pocas cosas con la roca). Esto ilustra lo que pasa en la actualidad: uno tiene tantos medios a su alcance que se confunde, como con las familias tipográficas que antaño eran 24 y ya pasan de 400."

Las grandes tendencias gráficas afectan los trabajos

"Han existido y existirán siempre. El diseño gráfico desgraciadamente o afortunadamente está sujeto a la influencia de muchas cosas, en especial la moda y el arte. Entre los 60s y 70s, por ejemplo, era un diseño donde la geometría dominaba las expresiones, el mismo surrealismo. Otras influencias vienen del comercio, de los intereses de la gente e incluso de la respuesta del diseñador gráfico ante tales expectativas según su propia experiencia."

"La forma en que me entero o como me influencian las tendencias es inconsciente y sobre eso tengo otra anécdota: Hubo una exposición de decoración y nos reunieron a una serie de diseñadores, decoradores y demás. Le preguntaban a cada uno: 'bueno ¿y ahora el azul, está de moda?... !De eso no tengo ni idea! Ni me preocupa ni me ha preocupado para trabajar. Lo que hago lo hago lo mejor posible. Nada más."

Diseñando con la dedicación de un monje

"Fuera del hecho de ser pionero, creo que la gente confía en mi. He practicado la arquitectura y el diseño gráfico (y más de este último) con la vehemencia y la dedicación de un monje. Puede sonar pretencioso pero nunca me ha interesado cuanto me van a pagar sino qué puedo hacer (y si puedo hacerlo "muy bueno! sino se puede así !qué pereza!) Creo que la calidad de compromiso da confianza a la gente. De cualquier manera me complace haber hecho escuela, trasmitiendo a todas las personas que han trabajado en mi estudio algo de lo que sé. Ellos me llaman "maestro" y me agrada, sobre todo porque muchos de ellos han hecho buenas cosas."

Realización e insatisfacción

"Hay momentos en que me siento totalmente realizado, en que digo que llegué a una solución. Sin embargo (y me pasa tanto en diseño gráfico como en arquitectura) veo una hoja blanca y es lo más asustador que puedo tener en frente: me hace preguntarme: "y bien, dónde está lo que se supone que sé?" Por lo general soy una persona segura, pero en esos instantes me invade una desconfianza total."

El secreto de la relación 'Dicken-cliente'

"Siempre ha sido difícil. Los recién egresados piensan que tengo la sartén por el mango pero no es así. En nuestro medio todos creen saber arquitectura, o asumen que saben diseño gráfico y entonces comienzan a decir: 'quite esa letra de ahí..., por qué ese rojo allá..' Cuando eso me sucede, con confianza absoluta en el trabajo que voy a presentar digo: 'vea, aquí está su solución, usted me llamó porque yo sé de la materia, entonces recíbala así'. Lógicamente acepto sugerencias. Esa confianza es la que tengo en mi mismo y se la trasmito a mi cliente."

Lo que los diseñadores actuales no tienen

"Les falta una gran instrucción en humanidades, un bagaje de imágenes que les permita absorber la cultura. Por eso me encanta viajar: para enriquecerme con todo lo que encuentro en en cualquier parte a la que voy. Ellos tienen que aprender a observar. Parece que al salir del bachillerato la televisión les ha arrebatado el arte de la observación; han olvidado ver 'la pantalla gigante del mundo entero'. Se limitan a una.. pantallita. No quiero decir que la televisión sea mala, pero los enfrenta influencia exóticas, extranjeras, que no tienen nada que ver con ellos, cuando aún no se han dejado afectar de lo propio."

La escuela colombiana de diseño gráfico

"Pienso que hay buenas escuelas. Pocas pero muy buenas. Por desgracia el campo se está tornando facilista, en especial con respecto al diseño por computador. Gracias a él personas que ayer eran negadas para hacer diseño, por carecer de habilidad manual, de pronto se les 'aparece la virgen' y pueden hacer cosas perfectas y terminadas.. pero no por eso buenas."

"Y -qué tristeza!- la gente empieza pensar que diseño gráfico es eso: hacer cosas bien terminadas; coger tipografía por aquí, millones de colores por allá y listo. Facilísimo. Eso se ha proyectado a las escuelas de diseño gráfico. Hacer una escuela de diseño gráfico es bueno, pero difícil. El computador es una herramienta maravillosa, más no deja de ser una herramienta. El genio y esplendor 'deben' venir del diseñador."

"También me preocupa este asunto de la universalización; lograr un diseño con identidad nacional enfrentados como estamos a la 'aldea global' va a ser muy duro. Empero, pienso que sólo buscando nuestras raíces seremos capaces de mostrar algo sobresaliente en el gran océano de la comunicación actual. Todo porque el mundo entero tiene que buscar referentes cotidianos para vencer la universalidad y esa 'sosera' que ella produce. Por supuesto está el otro peligro, el de caer en un folclorismo cursi."

América latina y el auge del diseño gráfico

"Tiene mucho que ver con la demanda. Hace unos años no había en la región competencia empresarial. Ahora las empresas saben que el diseño gráfico es una extraordinaria manera de comunicar identidad, y esa conciencia contribuye a que el diseño gráfico se valore y se desarrolle más cada día. En la zona existen muchos que sobresalen y que están trabajando en ese sentido: en Argentina está Shakespeare, en México Germán Montalvo, también en el Brasil hay varios nombres destacados. Y algo más al respecto: cuando el Banco de Bogotá cambió su símbolo por última vez invitó, para hacerlo, a diseñadores españoles a quienes pagaron 100 millones de pesos por su trabajo. Muchos tildaron eso de absurdo, pero muestra la importancia que tiene (para esa empresa y muchas otras en el mundo) el diseño gráfico en el posicionamiento de productos y servicios."

Lo que más disfruta al diseñar... 

"Cuando aparece en la pantalla, la palabra 'eureka' "

Teoría del Diseño Minimalista

“Menos es más”. Esta frase del arquitecto alemán Mies Van Der Rohe se ha convertido en la máxima definición del minimalismo. El diseño minimalista es el diseño en su forma más básica, es la eliminación de elementos pesados para la vista. Su propósito es hacer que sobresalga el contenido. Desde el punto de vista visual, el diseño minimalista está destinado a ser calmado y  llevar la mente del observador a lo básico de la pieza. Por lo tanto, los diseños minimalistas ofrecen contenidos visuales concretos abordados de la simplicidad -no simpleza- de los recursos gráficos que se deben emplear para lograr desarrollos consecuentes, sin distracciones. Diseño Minimalista es mostrar sólo lo importante o lo realmente funcional.

Las obras del Minimalismo buscan la sencillez y la reducción para eliminar toda alusión simbólica y centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio circundante.

Minimalismo y Diseño Gráfico

El diseño gráfico minimalista sigue las características propias del estilo: la abstracción, la economía de lenguaje, purismo estructural y funcional, orden, reducción, síntesis, sencillez y concentración.La reducción de las formas a lo elemental, así como la predilección por emocionar a través de la mínima expresión es una de las bases de los diseñadores de este movimiento.

Minimalismo y Diseño Web

Lo que se busca es no sobrecargar el sitio con elementos que no aportan nada a la funcionalidad del mismo o al objetivo con que fue creado. Características: abundancia de los espacios en blanco, tipografía efectiva, maximizar el efecto de las imágenes, efectivo uso del color, claridad del propósito, eliminación de los elementos extra y enfoque.

Minimalismo y Diseño Industrial

En una decoración influida por el minimalismo, el contraste blanco-negro es el rey absoluto. Priman las líneas rectas, la ausencia de ornamentos y florituras, los muebles sencillos y funcionales, la disposición ordenada y los acabados finos.

Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte, los volúmenes y formas en escultura. Buscan la belleza en la mínima expresión. Sus principales características son: máxima inmediatez, superficies inmaculadas, colores puros, formas simples y geométricas realizadas con precisión mecánica, y la utilización de materiales industriales de la manera más neutral posible para que no se alteren sus calidades visuales. Líneas puras, rectas, ambientes cálidos y a la vez acogedores. Colores claros, paredes limpias y mobiliario esquemático.

Minimalismo y Fotografía

Por norma en la fotografía minimalista se debe cumplir que haya una idea principal, un motivo único que debe de ser tratado por encima de todo lo demás y esto debe de ser tenido en cuenta antes de hacer la foto, ya que la manera de plantearla puede ayudar o no a conseguir una imagen limpia de elementos que puedan entorpecer el protagonismo del foco principal.

Una de las ventajas que nos ofrece la fotografía minimalista es que, evidentemente, no hace falta mucho para llegar a ella; casi cualquier entorno en el que nos encontremos es susceptible para hacer fotos minimalistas. Y la temática susceptible de ser “minimizada” es tan amplia como en cualquier otro tipo de fotografía; se pueden realizar fotografías minimalistas no solo a objetos, sino también a paisajes, a personas, etc.